Na série Brasil Criativo, do Conexão Cultural, o artista Marcelo Macedo destaca-se pelas suas obras inusitadas e surpreendentes. Conheça seu trabalho.

Hoje a série Brasil Criativo vai contar um pouco da história do Marcelo Macelo, super talento que reinventa brinquedos e objetos por meio da arte! Marcelo começou a trabalhar com madeiras em 2005, montando o interior de lojas de moda, tudo com material reutilizado.

Marcelo Macedo

Porém essa criatividade toda não começou em 2005, mas sim na sua infância, influenciado pela avó Lúcia, ele conta que quando pequeno, ela costumava colocar todos os netos para desenhar e mexer com argila e pedra sabão.

Marcelo Macedo

Com 16 anos, ele desenhava pranchas de surfe e skate para os amigos e a arte se tornou sua profissão. “Sempre trabalhei com meu lado criativo, e pretendo continuar pra sempre, simples assim”, diz Marcelo.

Marcelo Macedo

[Conexão Cultural] – Qual seria seu lugar ” sonho” para expor os seus trabalhos?

[Marcelo Macedo] – Acho que já encontrei o lugar, gosto da rua, acho puro, me coloca com os pés no chão, acredito que humaniza a cidade.

[CC] – Para você como a arte pode mudar a vida das pessoas?

[MM] - Arte é uma forma de exercitar seu espirito, o brasileiro por si só ja tem uma pré disposição para ser criativo, pois estamos acostumados a não ter as coisas, e temos que improvisar a maior parte do tempo, isso faz com que as nossas criações tenham alma, se conectar com a arte tem a ver com ser verdadeiro com você mesmo.

Marcelo Macedo

Curtiu? Leia mais matérias como essa no Conexão Cultural.

Divulgação | Imovision

Quem não gosta de terminar a semana com uma sessão de cinema comovente? Em parceria com a Imovision, o FalaCultura vai levar você para assistir o filme O que eu mais desejo, do diretor japonês Hirokazu Kore-Eda.

O que eu mais desejo conta a história de dois irmãos, separados pelo divórcio dos pais. Koichi, o irmão mais velho, acredita que o cruzamento entre os trens-balas pode realizar um milagre, e tornar real o que ele mais deseja: unir sua família novamente.

O filme está sendo aclamado mundial pela forma intuitiva e sensível com que o diretor aborda a infância, com seus anseios e desejo, e pelo talento dos garotos protagonistas — que são irmãos na vida real — descobertos pelo diretor durante audições realizadas em todo Japão.

Admita: bateu aquela vontadinha de ver na faixa.

Para participar e concorrer a ingressos, é fácil: basta enviar a mensagem abaixo do seu perfil no Twitter, e estar seguindo os perfis do @falacultura e da @imovision :

“O @falacultura e a @imovision me levam para assistir o comovente ‘O que eu mais desejo’, na faixa! http://kingo.to/15FG #promoçãoMaisDesejo”

Pronto! Serão sorteados cinco pares de ingressos por dia, na terça (15) e quarta (16) – são dez pares no total.

Divulgação | Imovision

 

 

Sorteados do dia 15 de maio:

@PaollaArnoni
@dialmformarina
@leospribeiro
@hugones84
@Senhor_H

 

 

 

Sorteados do dia 16 de maio:

@reporteiro
@NicolePrestes
@ThiagoThavares
@ClaudiaMylena
@m_ben1
@JessicaRezende
@Fernandestali

 

***

REGULAMENTO DA PROMOÇÃO “O QUE EU MAIS DESEJO” – Twitter

1. Sobre a Promoção

1.1 A promoção “O QUE EU MAIS DESEJO”, (a “Promoção”), é realizada pelo site FALACULTURA (o “Site”), e pela IMOVISION e será realizado exclusivamente através do site www.twitter.com;

2. Participação

2.1 A Promoção é aberta à participação de qualquer pessoa física, residente e domiciliada no Brasil.;

2.2. Excluem-se da participação as pessoas jurídicas, bem como as demais pessoas e empresas envolvidas na realização desta Promoção.

2.2 A participação é voluntária e gratuita, e será realizada sem qualquer modalidade de pagamento pelos participantes, nem vinculação destes ou dos contemplados à aquisição de qualquer bem ou serviço;

2.3 Para participar é necessário que o participante possua um perfil válido e ativo na rede social Twitter, cujo cadastro é gratuito; seja seguidor do perfil @falacultura e do perfil @imovision; e “retuite” (RT) integralmente a seguinte mensagem, com o link: “O @falacultura e a @imovision me levam para assistir o comovente ‘O que eu mais desejo’, na faixa! http://kingo.to/15FG #promoçãoMaisDesejo”;

2.4 Cada usuário poderá participar com apenas um perfil no Twitter;

2.5 A promoção será realizada em três dias, sendo destinadas no total 10 (dez) pares de ingressos do filme “O que eu mais desejo”. Os dias de realização da promoção são:

2.5.1 Terça-feira, dia 15 de maio de 2012, tendo início às 13:01hs e sendo encerrada às 22:00hs

2.5.2 Quarta-feira, dia 16 de março de 2012, tendo início às 13:01hs e sendo encerrada às 22:00hs

2.6 Não serão aceitas participações fora do período aqui mencionado.

3. Apuração do Resultado

3.1 O sorteio entre os usuários participantes será realizado através do site Tweetaways nos dias de realização da Promoção, sendo selecionados 5 (cinco) vencedores por dia, totalizando 10 (dez) vencedores da Promoção.

3.3 Os resultados serão anunciados sempre às 22:30hs dos dias de realização da Promoção, no twitter @falacultura e no site FalaCultura.com;

4. Premiação e Entrega do Prêmio

4.1.  O vencedor desta promoção será contemplado com 1 (um) par de ingressos do filme “O que eu mais desejo”. Os ingressos são válidos de segunda-feira a quinta-feira, exceto feriados, e são aceitos em todas as salas nacionais onde o filme estiver sendo exibido, exceto Cinemark Iguatemi, Circuito Araújo e Grupo Estação.

4.2. O Site entrará em contato com o vencedor através de Direct Message (DM), enviada ao seu perfil, solicitando os dados necessários à entrega do prêmio. Não havendo êxito na comunicação e não tendo o vencedor entrado em contato com o Site através do email contato@falacultura.com.br no prazo de 6 (seis) horas, a partir da divulgação do resultado, o participante será desclassificado, e será realizado novo sorteio.

4.3. Os prêmios serão enviados para endereço residencial, dentro do território nacional, informado no contato, pela Imovision.

4.4. O prêmio é individual e intransferível, bem como não poderá, em hipótese alguma, ser convertido em dinheiro, nem tampouco trocado por outro produto ou serviço.

5. Desclassificação

5.1. O participante será desclassificado desta Promoção, a qualquer momento, em caso de fraude comprovada, participação através da obtenção de benefício/vantagem de forma ilícita ou pelo não cumprimento de quaisquer das condições deste regulamento, incluindo, mas não se limitando, aos seguintes casos:

• Participantes impedidos de participar;

• Participantes selecionados que não enviarem seus dados de contato;

• Participantes residentes no exterior;

• Participantes que utilizarem sistemas, softwares e outras ferramentas ou métodos automáticos, repetitivos ou programados, para criar condições de cadastramento, navegação e participação irregulares, desleais ou que atentem contra os objetivos deste Concurso; e/ou

5.2. Caso haja desclassificação, em qualquer momento desta Promoção, deverá ser realizado um novo sorteio entre os inscritos, designando-se um novo vencedor.

6. Disposições Gerais

6.1. OS VENCEDORES EXPRESSAM A SUA VOLUNTÁRIA E GRATUITA PARTICIPAÇÃO E CONCORDAM EM AUTORIZAR O USO DE SEUS NOMES NO SITE FALACULTURA.COM E EM OUTROS MEIOS DE DIVULGAÇÃO DESTA PROMOÇÃO E DE SEU RESULTADO, NENHUM ÔNUS PARA O SITE E EM CARÁTER DEFINITIVO.

6.2. O Site não se responsabiliza, em qualquer hipótese, por todos e quaisquer danos, materiais ou morais, que tenham sido ocasionados por “caso fortuito e/ou força maior”, ou seja, que não tenha ocorrido pela ação direta ou indireta do Site, não sendo, nesse caso, portanto, devido aos participantes qualquer direito a indenização.

6.3. Tendo em vista as características inerentes ao ambiente da Internet, o Site não se responsabiliza por interrupções ou suspensões de conexão ocasionadas por caso fortuito ou de força maior, como por exemplo, inscrições perdidas, atrasadas, incompletas, inválidas, extraviadas ou corrompidas, as quais serão desconsideradas. O Site  também não será responsável por transmissões de computador que estejam incompletas ou que falhem, bem como por falha técnica de qualquer tipo, incluindo, mas não se limitando, ao mau funcionamento eletrônico de qualquer rede, “hardware” ou “software”, a disponibilidade e acesso à Internet ou ao Twitter, falhas técnicas na ferramenta Sorteio.me, assim como qualquer informação incorreta ou incompleta sobre a Promoção e qualquer falha humana, técnica ou de qualquer outro tipo, que possa ocorrer durante o processamento das inscrições, eximindo-se, por conseguinte, de qualquer responsabilidade proveniente de tais fatos e/ou atos.

6.4 O Site se reserva o direito de alterar os termos deste Regulamento, informando previamente os participantes e sempre buscando assegurar sua legalidade sem prejuízo de seus participantes.

6.5 Para esclarecimento de quaisquer dúvidas, o FalaCultura coloca-se a disposição pelo e-mail contato@falacultura.com.

6.6. A SIMPLES PARTICIPAÇÃO NESTA PROMOÇÃO IMPLICA NA ACEITAÇÃO TOTAL E IRRESTRITA DE TODAS AS CLÁUSULAS DE SEU REGULAMENTO, QUE ESTÁ DISPONÍVEL NO SITE WWW.FALACULTURA.COM.

Colecionadores, estudantes e apaixonados por arte aglomeram-se no Pavilhão da Bienal para a 8ª edição da SP-Arte – a feira internacional de arte de São Paulo, maior evento do gênero da América Latina.

Além de uma oportunidade de ver o universo da arte por um novo ângulo, completamente diferente do explorado nos museus e centros culturais, a feira traz uma novidade interessante esse ano: o Laboratório Curatorial, em que quatro jovens curadores tiveram a oportunidade de montar suas próprias exposições no segundo andar do Pavilhão.

E, para que você possa mergulhar de cabeça na SP-Arte 2012, preparamos um guia virtual com os destaques, dicas e novidades dessa edição. Ah, sim: elegemos também os nossos stands escolhidos, da maior decepção à nossa favorita, incluindo aí a mais descolada, as imperdíveis e a mais badalada do ano.

Ficou curioso? Confira tudo no guia, logo abaixo, e não deixe de conferir nossas fotos do evento, no Facebook.

Em entrevista, o artista Paulo Govêa fala sobre originalidade, inspiração, e ainda conta algumas histórias interessantes sobre sua carreira.

Reconhecer uma obra de arte depende muito da originalidade de cada autor. Temos artistas consagrados que se destacam por sua obra em si. Quem é que não sabe reconhecer a Turma da Mônica sem citar Maurício de Sousa, ou os traços e desenhos geométricos das pinturas de Pablo Picasso? São artistas inconfundíveis.

Assim, surgem artistas que desenvolvem a sua obra de arte como peça ímpar, como o artista brasileiro Paulo Govêa, cujo trabalho ganha cada vez mais destaque dentro e fora do Brasil. Em conversa conosco, Paulo contou um pouco mais sobre seu trabalho, que tem como marca registrada uma meninas com olhos grandes e cabeças triangulares.

Paulo Govêa

[Paulo Govêa] - Acho que isso vai de artista para artista, tentei algumas vezes chegar a um estilo, mas não funcionou. Levou um bom tempo para isso acontecer naturalmente, Acho que têm que acontecer assim, para ser realmente original.

[FC] – Quais são os pintores, artistas plásticos que você mais aprecia?

[PG] - Gary Baseman, Mark Ryden, Scott Musgrove, Tinho Nomura, OsGemeos… Recentemente fiz uma exposição no Chile, no MAM de Chiloé, onde conheci o trabalho e alguns artistas chilenos que me impressionaram muito com sua qualidade, e compromisso com a arte. Como José Triviño, Guillermo Grez, Estanislao Jorquera, Victor Castillo entre outros.

[FC] – Que temas você busca expressar em suas obras?

[PG] - Na maioria das vezes são temas do dia a dia, coisas mais contemporâneas… E procuro também sempre passar uma mensagem subliminar dentro do universo lúdico que é o meu trabalho.

[FC] – A arte pode estar em diferentes espaços urbanos. No prédio, na praça, no banheiro de casa. Em quais espaços, você procura explorar artisticamente? Você tem preferência por espaço?

[PG] - Sim claro! Não tenho restrições com suportes ou espaços físicos, mas trabalho na maioria das vezes com tinta acrílica e spray “técnica mista” isso em diferentes superfícies.

[FC] – Qual de suas obras você mais gosta?

[PG] - Isso depende muito do meu estado de espírito, hora gosto de uma hora de outra, no momento estou gostando bastante de uma releitura que fiz da Mona Lisa.

Paulo Govêa

[FC] – Cada arte tem um significado especial, um porque, uma história. Alguma história que você queira nos contar de alguma obra sua? Algo engraçado ou até um tanto inusitada?

[PG] - Tenho várias… Uma vez, uma senhora comprou um quadro, e uma semana depois ofereceu um almoço na sua casa para amigos e me convidou. No meio da tarde ela já estava um pouco alta e entrou na piscina. Estávamos conversando quando olho uma mancha amarela em torno dela. Ela me olhou e se deu conta de que eu havia percebido que ela estava urinando na água.

Ficou um pouco sem graça e seguiu a conversa como se nada tivesse acontecido. Algum tempo depois, eu pintei uma tela com esse tema e o titulo era A Madame que bebe e faz xixi na piscina. Esse quadro acabou no meu catálogo e no dia do lançamento ela estava lá. Quando ela viu a imagem do quadro e o título, percebeu que aquela historia era a dela. Sua expressão mudou… Mas ela não disse nada. Nem consigo imaginar o que ela estava pensando.

[FC] – Sua personagem, uma mulher menina, é alguém em especial, quem te inspirou ou o tempo lhe deu a personagem?

[PG] - Foi um pouco dos dois. Uma vez fui pintar uma amiga e quando a desenhei ficou com a cabeça um pouco grande e triangular. Ela viu o desenho e gostou, pediu para eu seguir e finalizar a tela como estava. Gostei do resultado final, comecei a seguir essa linha, fui aumentando os olhos e a cabeça, lapidando, e cheguei nesse meu estilo de hoje.

Paulo Govêa

[FC] – Há muito campo no Brasil para o artista explorar sua obra ou há certa restrição?

[PG] - Sim, e acho que isso vem crescendo… As pessoas têm consumido mais arte, acho que é porque a situação econômica do país vem melhorando. Mas poderia ser melhor, aqui no Brasil a maioria das pessoas não tem o costume de consumir arte, elas não enxergam como um investimento.

Às vezes aparecem pessoas no meu ateliê com carros de R$ 300 mil, calça de R$ 2 mil, relógio de R$ 10 mil… Por mais que gostem do trabalho, acham caro uma obra de arte, mesmo sendo uma peça única. Claro, cada um com seus valores… Mas acho que isso faz parte de uma cultura de massa brasileira.

[FC] – Atualmente, você tem algum patrocínio de empresas ou projeto financiado pelo governo?

[PG] - Atualmente não, mas por alguns anos tive o apoio da Vivo, que foi muito importante para minha carreira, assim pude trabalhar e criar sem muita pressão, porque como todos sabem as contas nunca param de chegar. Quanto a projetos do governo, no final do ultimo ano fiz uma residência artística e uma exposição no MAM de Chiloé (no sul do Chile), tudo patrocinado pelo governo. Foi muito bom, uma ótima experiência!

Denise Camargo, jornalista cultural e blogueira, está sempre antenada no mundo das artes, cinema e música. Se considera tudo e nada ao mesmo tempo. Se algo a irrita é com a monotonês, burricês e caretice. Acredita que com amor tudo se supera. Sua filosofia de vida é buscar o incomum.

Em um Papo Cultural inspirador, a professora e blogueira Lola Aronovich, do Escreva Lola Escreva, fala sobre a relação entre feminismo e cinema, música, literatura e todas outras formas de arte.

Lola Aronovich é professora na Universidade Federal do Ceará, doutora em Literatura em Língua Inglesa pela Universidade Federal de Santa Catarina e — segundo sua descrição em seu movimentado blog, Escreva Lola Escreva – ”na definição genial de um troll, ingrata com o patriarcado”.

Lola não faz por menos o sucesso de seu blog e seus milhares de seguidores no Twitter. Em seus textos, publicados diariamente, ela toca em assuntos pouco explorados em outros espaços, como o sexismo presente em anúncios, filmes e na televisão. Com sua linguagem descomplicada e direta, ela cativa suas leitoras e leitores — e faz o terror dos machistas de plantão, a quem chama de “mascus”.

Batemos um papo com Lola sobre a relação dos gêneros com as diversas artes. De Crepúsculo ao trabalho das Guerrilla Girls, Lola compartilhou conosco suas visões sobre o papel das artes na emancipação das mulheres.

[FalaCultura] - Lola, quem lê o seu blog sabe que você dá uma atenção toda especial ao papel da arte na construção dos estereótipos de gênero — sobretudo ao cinema. Como você vê o papel do cinema na luta pela emancipação da mulher?

[Lola Aronovich] - Pra ser franca, eu já adorava cinema antes de realmente me interessar pela questão de gênero. Agora vou lançar um livro com algumas crônicas de cinema, sempre com esse viés mais feminista.

Bom, a forma como nós mulheres somos representadas pela mídia é uma discussão importante. Muito do nosso comportamento é moldado através dessa representação. Só que, infelizmente, a mídia quase sempre nos dá apenas duas opções: ou somos muito mal representadas, ou permanecemos invisíveis. E, claro, isso não acontece só com as mulheres, mas com todos os grupos historicamente discriminados.

“A mídia quase sempre nos dá apenas duas opções: ou somos muito mal representadas, ou permanecemos invisíveis”O cinema é a mídia mais cara que existe. É difícil imaginar um outro produto cultural que custe, em média, 80 milhões de dólares, como é o caso de um filme de Hollywood. Talvez pelo altíssimo custo, é uma mídia completamente dominada por homens. No cinema americano, apenas 16% dos diretores, produtores, diretores de fotografia, roteiristas e editores são mulheres. Não por coincidência, apenas 16% dos filmes americanos são protagonizados por mulheres, e não creio que no Brasil seja diferente. Isso é realmente lastimável. Do jeito que somos representadas, ou melhor, que não somos representadas no cinema, esta é uma mídia que, como tantas outras, serve para manter nosso papel na sociedade. Não ajuda na nossa emancipação. São raros os filmes que podem inspirar nossa independência e as mudanças que queremos e precisamos na sociedade.

[FC] – O que você achou do filme Jogos Vorazes? E da protagonista, Katniss Everdeen?

[LA] - Ainda não li os livros, e só posso falar do primeiro filme da trilogia. Adorei Jogos Vorazes, e adorei Katniss. Acho que o filme de modo geral, e ela em particular, representam uma revolução. Ele derruba muitas camisas de força impostas pelos gêneros. É ela a heroína que salva o mocinho. Ela não é uma donzela indefesa que precisa ser salva por um herói, como estamos acostumad@s a ver. Junto com Valente da Pixar, os filmes com Lisbeth Salander, e À Toda Prova, parece que estamos diante de uma fase de heroínas no cinema de ação, algo que não é nada comum. Espero que continue assim.

[FC] - Você concorda com a afirmação de que, para as adolescentes, Katniss seria a “anti-Bella” (de Crespúsculo)?

[LA] - Não gosto muito das comparações entre Katniss e Bella, de Crepúsculo. São histórias muito diferentes, gêneros diferentes. Não vejo Crepúsculo como uma série de ação, e sim uma série romântica. E Jogos Vorazes não tem nada de romântico, pelo contrário, ele mostra o romantismo como performance, como parte da sociedade do espetáculo.

Katniss algum dia, espera-se, vai mudar o mundo, vai comandar uma revolução contra o sistema. Bella nunca tem essa ambição. Ela só quer passar a eternidade com Edward. Mas não a acho tão passiva como tantas pessoas a pintam. Ela sabe o que quer. Lógico que, se eu tiver que escolher qual heroína quero que influencie as adolescentes, será Katniss, não Bella. Derrubar o sistema é mais importante que se apaixonar. Mas uma coisa não impede a outra.

[FC] – Nesse sentido: Katniss Everdeen ou Lisbeth Salander (de Homens que Não Amavam as Mulheres)?

[LA] - Prefiro muito mais Katniss, mas isso também porque não sou grande fã de Homens que Não Amavam as Mulheres, pelo menos dessa primeira parte, e olha que considero a refilmagem americana superior à versão sueca. Mas vejo Jogos Vorazes como um filme muitíssimo mais interessante que Homens.

[FC] - Aliás, a Lisbeth é uma personagem bem controversa, mesmo entre as feministas. Uma personagem clássica que também divide opiniões é Scarlett O’Hara, de E o vento levou. No começo do filme, ela parece forte e independente, mas muito disso cai por terra na segunda parte. Qual a sua opinião sobre ela?

[LA] - Lisbeth é uma personagem forte e muito inteligente, que consegue superar seus traumas. E não tenho como ver Scarlett O’Hara de outra forma.

É verdade que Scarlett é inconstante, e que o modo como ela é capaz de reerguer Tara é muito mais inspirador do que o “Oh, meu deus, o que vou fazer sem você?” que ela dispara pro Rhett Butler no final do filme, só pra ouvir o clássico “Frankly, my dear, I don’t give a damn”. Mas não creio que a força de Scarlett caia por terra por causa disso. O pior momento do filme, do ponto de vista feminista, é quando ela acorda toda feliz na manhã seguinte, depois de ter sido estuprada pelo marido. É possível que esta seja a cena mais problemática de E o Vento Levou, junto com todas as que mostram qualquer personagem negro. Mas a impressão que tenho é que o filme tenta domar Scarlett, domesticá-la, anulá-la… e não consegue.

[FC] - O seu texto sobre como identificar se um filme é feminista é muito interessante, até inusitado. Quais filmes você destacaria como ótimos para as mulheres e homens que gostariam de refletir sobre o papel da mulher na sociedade?

[LA] - Ah, são muitos. Todos aqueles que eu cito no post sobre se um filme é ou não feminista, como Revolução em Dagenham, que mostra um momento histórico em que mulheres lutaram e conseguiram melhorar sua situação; A Troca, que mostra uma grande opressão às mulheres vinda de todas as instituições; Jackie Brown e outros filmes do Tarantino, como Kill Bill e Bastardos Inglórios.

Almodóvar é controverso, porque ele inclui muitas cenas de estupro e sua visão das mulheres nem sempre é positiva, mas ele costuma construir mulheres fortes em seus filmes. Eu adoro Silêncio dos Inocentes, e aquela cena de Clarice Starling toda pequenina num elevador cheio de homens, e depois tendo que pedir que esses homens fiquem quietos, diz muito da sua força. Ela é uma mulher que salva outras mulheres. 

Thelma e Louise é um marco no cinema e toca em vários temas feministas, como a camaradagem e a união entre mulheres. Não concordo com quem diz que Thelma e Louise seja um mau exemplo só porque não tem final feliz. Um final feliz não seria realista naquele contexto. E denunciar a opressão também é importante.

[FC] - Mudando de campo artístico, as Guerrilla Girls têm uma obra que critica as poucas representantes femininas no campo das artes visuais. Elas provocam, dizendo que as mulheres só entram no Metropolitan Museum, de Nova York, como nus. Qual sua visão sobre a presença das mulheres nas outras artes?

[LA] - Concordo plenamente com as Guerrilla Girls e gosto muito do trabalho delas. Não tem nem o que discutir com uma estatística dessas que elas trazem: que, num dos museus mais famosos do mundo, menos de 5% dos artistas expostos são mulheres. Em compensação, 85% dos nus são de mulheres. Fica claro que, se você é mulher, você tem mais chance de estar exposta numa pintura lá como modelo nua, não como autora da obra. E é conhecido que artistas mulheres ganham apenas 10% a 20% do que os artistas homens ganham. Ou seja, há uma desvalorização visível do trabalho feminino nas artes plásticas.

Guerrilla Girls

Olha, teve um dia em que eu, bem por cima, tratei num post sobre como, na dança, os homens conduzem, e isso também pode ser pensado como machismo. Choveram críticas de que eu estaria exagerando e tal. Mas eu nunca tinha sequer pensado nisso antes de ler artigos sobre feminismo e dança. Um deles, por exemplo, analisava os movimentos de bailarinos e bailarinas num balé clássico, e como as bailarinas só podem dar passinhos em lugares restritos do palco, enquanto os bailarinos podem praticamente voar por todos os cantos.

O fato é que a dança, assim como todas as artes, é um produto de uma época e de um lugar. E, portanto, está sujeita a nossas visões de mundo sobre os gêneros. Temos que parar de acreditar que as coisas são naturais. Há construções sociais e ideologias por trás de tudo, e cabe a nós analisá-las, questioná-las, desconstruí-las.
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[FC] - No campo da música, a cantora Adele tornou-se um símbolo, por fugir da imagem convencional e sexualizada das cantoras femininas. Ainda assim, o agente dela afirmou que ela vai emagrecer para “mudar sua imagem”, e algumas revistas já estão apresentando versões “photoshopadas” dela. Como você vê o papel de Adele como mulher no universo musical, e essas possíveis alterações de sua “imagem”?

Dicas Culturais da Lola

• Para ler: Um livro que li recentemente pela primeira vez é O Conto da Aia (The Handmaid’s Tale), da canadense Margaret Atwood. É um romance de 1985 que mostra uma distopia, uma utopia negativa, em que um golpe militar tomou os EUA e implantou um sistema ainda mais patriarcal (e fundamentalista religioso) do que já temos. Apesar da passividade da protagonista (que é também a narradora), trata-se de um livro interessantíssimo. Outro livro que tenho em mãos e só me falta encontrar tempo pra ler é Precisamos Falar sobre o Kevin, de Lionel Schriver. O filme mexeu muito comigo, e inúmeras leitoras me recomendaram ler o livro em que ele é baseado, que trata mais a fundo da imposição de ser mãe.

• Para ver: Se eu tenho que indicar um só filme, vou indicar o documentário Miss Representation, uma produção americana do ano passado. É simplesmente fantástico e consegue entrevistar muita gente importante. Seria ótimo ter um projeto desses aqui no Brasil.

• Para ouvir: Um videoclipe que eu adoro por zombar dessa imposição cultural bastante recente que é a depilação total dos pelos pubianos para mulheres é The Map of Tasmania, da Amanda Palmer.

“De um traço nasce à arquitetura. E quando ele é bonito e cria surpresa, ela pode atingir, sendo bem conduzida, o nível superior de uma obra de arte” — Oscar Niemeyer.

 

Christoph Diewald | Creative Commons

Brasília completou 50 anos, e a Embaixada brasileira em Buenos Aires idealizou uma homenagem que procura mostrar para o mundo a riqueza arquitetônica da cidade.

Conversamos com Danielle Athayde, a curadora da exposição que abriu suas portas no 14 de dezembro em Buenos Aires e que passou quatro meses exibindo a obra do arquiteto Oscar Niemeyer, o plano urbanístico de Lucio Costa, o trabalho de Burle Marx e as obras do artista plástico Athos Bulcão.

Uma viagem ao interior da exposição

O projeto da exposição teve início em Madrid, em setembro de 2010, onde ficou por três meses. Em seguida, viajou a Lisboa, Portugal, onde permaneceu por mais dois meses. Em 2011, no aniversário de 51 anos da cidade, a exposição foi apresentada em Brasília. Agora começou uma turnê pela América do Sul, com Buenos Aires como ponto de partida.

O objetivo desta exibição é divulgar Brasília para o mundo, já que a cidade não está na lista dos principais destinos turísticos brasileiros.

“A intenção é que o público que visite a exposição tenha interesse em conhecer a cidade que tem a diferencia de ser uma cidade totalmente construída e planejada nos preceitos da arquitetura moderna, algo único no mundo e patrimônio histórico da humanidade desde 1987”, explica a curadora.

Fernando Stankuns | Creative Commons

E realmente é algo único: imagine que, em quatro anos, a capital foi construída do zero! Além disso, a cidade seguiu as regras da Carta de Atenas, um manifesto que conduz a um novo conceito de espaço urbano. Ela foi realizada no ano 1933 e propõe os pontos mais importantes que uma cidade moderna deve seguir para ser funcional para seus cidadãos, analisando quatro aspectos muito importantes para o homem: lugar de residência, trabalho, descanso e circulação.

Para compreender o porquê desta unicidade, é preciso conhecer algumas das cabeças que levaram adiante este projeto.

Primeiramente, o célebre Oscar Niemeyer, um gênio das construções que imprimiu sua imaginação nas edificações desta cidade. Recorrendo à exposição pode-se ler uma de suas frases, que resume sua forma de trabalhar: “Não é o ângulo reto que me atrai, nem a linha reta, dura, inflexível, criada pelo homem. O que me atrai é a curva livre e sensual, a curva que encontro nas montanhas do meu país, no curso sinuoso dos seus rios, nas ondas do mar, no corpo da mulher preferida. De curvas é feito todo o universo, o universo curvo de Einstein.”

A mão direita de Niemeyer no projeto foi Lúcio Costa, que encabeçou o planejamento urbano. A dupla Niemeyer-Costa foi logo reconhecida pelo mundo inteiro e verdadeiramente marcou a renovação na arquitetura brasileira com um dos projetos arquitetônicos mais importantes do pós-guerra.

Graças a eles, Brasília conta com alguns dos mais belos edifícios do mundo, como a Praça dos Três Poderes, a Catedral Metropolitana Nossa Senhora Aparecida, o Palácio da Alvorada e o Palácio do Planalto.

Toda a gênese da cidade, e a beleza das obras destes arquitetos puderam ser retratados pelo fotografo Marcel Gautherot, que foi convidado por Niemeyer para fotografar a construção da cidade. Essas imagens, assim como as fotografias das obras do arquiteto-paisagista paulista Roberto Burle Marx e do artista carioca Athos Bulcão, estão presentes na exibição.

Hoje, por sua condição de patrimônio histórico da humanidade, o “Plano Piloto” de Brasília não pode sofrer modificações. Inclusive, há um órgão estatal chamado IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico Nacional) que deve analisar se qualquer mudança é realizada de acordo com o plano original de construção da cidade e, não pode haver qualquer modificação que não seja compatível com a arquitetura na qual Brasília fundou-se.

A capital da esperança

Christoph Diewald | Creative Commons

O nascimento do Brasília aconteceu nos anos 50, quando procurou-se mudar o governo do Brasil para o interior do país e fomentar o movimento da população para a região, pouco habitada. Foi o governo de Juscelino Kubitschek que realizou esta empreitada.

Kubitschek fez uma primeira viajem a Brasília em 1956 e então escreveu uma frase que, depois, foi gravada no mármore do Museu da Cidade, na Praça dos Três Poderes: “Deste planalto Central, desta solidão que em breve se transformará em cérebro das altas decisões nacionais, lanço os olhos mais uma vez sobre o amanhã do meu país e antevejo esta alvorada com fé inquebrantável e uma confiança sem limites no seu grande destino.”

Além da criação de uma nova cidade com oportunidades para a crescente população brasileira, o governo queria criar uma capital onde se eliminassem as classes sociais. É por isso que Brasília se chamou a “capital da esperança”.

Lamentavelmente, hoje a cidade está rodeada de favelas em suas cidades satélites, e a lacuna entre pobres e ricos não foi superada.

“A utopia de construção da cidade, o sonho de JK de mudar a capital da costa para o interior do Brasil, o sonho arquitetônico de aplicar todos os princípios da carta de Atenas em uma única cidade, tudo isso foi realizado”, opina Danielle. “Com relação à capital da Esperança, Brasília realmente cumpriu seu papel, vieram viver aqui pessoas de todo o Brasil, na esperança de construir um futuro e um Brasil melhor. Agora se seus sonhos foram realizados é mais difícil de dizer, a cidade oferece uma excelente qualidade de vida e é isso que é importante mostrar para o mundo. Brasília é real.”

Famosos por hits como It Must Have Been Love, dupla sueca Roxette retorna ao país em nova turnê

Para os amantes da canção romântica It Must Have Been Love ou da baladinha Just Afternoon, da dupla sueca Roxette, poderá conferir o show de Marie Fredriksson e Per Gessle, que estão novamente no Brasil para apresentarem a turnê Neverending Tour.

As apresentações já começaram em Curitiba — que recebeu a dupla no dia 8 de maio — e vão passar por São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília e Recife. A turnê está apresentando o seu novo disco, Travelling.

Divulgação

A história do Roxette começou na Suécia no final dos anos 70, quando Marie e Gessle, que cantavam e tocavam em bandas distintas, porém muito conhecidas do país, se conheceram. O primeiro disco veio em 1986, Pearls of Passion, sendo sucesso nas décadas de 80 e 90. Ao todo são dez discos de estúdio e cerca de 75 milhões de álbuns vendidos.

A dupla chegou a seguir carreira solo, em 2002, quando Marie foi diagnosticada com um tumor cerebral, que foi removido com sucesso. Enquanto estava em recuperação, ela escreveu canções para seu primeiro disco solo. Em 2003, Gessle lançou também seu primeiro disco sem a parceira de palco.

O retorno veio em 2009, durante um festival. Logo a dupla passou a fazer shows em diversos países, o que deu motivo para o disco que marcou a volta do Roxette, Charm School (2011), que virou uma turnê mundial, passando pelo Brasil no mesmo ano.

No show dessa turnê em São Paulo, eles apresentaram apenas três canções do trabalho: She’s Got Nothing  On (But the Radio), Way Out, e Only When I Dream. A voz impecável de Marie surpreendia todos os fãs em cada música. No restante do show, foram apresentadas músicas clássicas do Roxette. Não puderam faltar no repertório Just Afternoon, Dangerous, Sleeping in My Car, How Do You Do, The Big L, Fading Like a Flower e It Must Have Been Love.

Nesta turnê, o Roxette não deixará de apresentar seus grandes sucessos, mas a canção de trabalho, It’s Possible, que está no último álbum e que também já possui um videoclipe.

Exposição de fotografias revela cotidiano de comunidade cigana e desperta a curiosidade sobre a cultura dos povos nômades. Aproveite a oportunidade para mergulhar de cabeça nessa rica cultura, com nossas sugestões de livros, músicas e filmes.

As fotografias que compõem a mostra Barraca Cigana, em cartaz no Museu da Casa Brasileira (São Paulo),  trazem um olhar revelador sobre o cotidiano e a vida de uma comunidade de ciganos calón* do interior do estado de São Paulo. Essa exposição está inserida no projeto Casas do Brasil, iniciado no museu em 2006, e que busca fazer um registro dos diferentes jeitos de morar espalhados pelo país.

Beatriz Giosa | FalaCultura

Com um olhar extremamente sensível, a fotógrafa e pesquisadora Luciana Sampaio traz para o público o mundo colorido dos ciganos. Em 83 imagens e 4 vídeos, é possível visualizar como essa comunidade se organiza fora dos padrões comuns.

O foco está justamente nessa organização, em que a casa, mesmo sendo itinerante, tem um papel crucial. A barraca é o microcosmo do cigano, e as regras nela estabelecidas provam todo um código particular desse povo. Os ciganos calón valorizam muito o interior da barraca, e por isso ela deve estar sempre limpa, e a ideia de manter uma lixeira dentro de casa, por exemplo, é inadmissível para um cigano. Já o exterior é o local das impurezas, daí o acúmulo de lixo nos arredores do acampamento, como se pode perceber nas imagens de Luciana.

Outro aspecto curioso presente nas fotografias é a família. O dia-a-dia do cigano é todo dedicado ao convívio familiar — daí também a importância da barraca. As mulheres são responsáveis por manter o local em ordem e cuidar das crianças, enquanto os homens cuidam dos negócios.

A união das famílias aparece nas imagens que relatam os preparativos para um casamento, onde toda a comunidade participa ativamente. Em meio ao colorido dos vestidos das mulheres e dos tecidos que ornam as barracas, é possível perceber o quanto esse povo valoriza o matrimônio, tanto pelo seu caráter social (é o nascimento de mais uma célula familiar na comunidade) como pelo seu caráter religioso.

Luciana Sampaio | Divulgação

Trata-se de um mundo completamente diferente do que estamos acostumados. Uma casa a céu aberto, uma vida ao ar livre. Deve-se olhar essas imagens sem preconceito, já que nossa visão de mundo é muito asséptica, polida, regrada. É preciso enxergar a riqueza dessas culturas sem o verniz social, sem o filtro higienizador da nossa cultura ocidental que se assume tão superior às outras.

Sem esse filtro, fica fácil entender a alegria presente nas imagens que mostram um grupo de mulheres e crianças tomando banho de mar. Esse despojamento, esse senso de liberdade e essa sensibilidade ao mundo é de fazer inveja.

Além das fotografias e vídeos, o público pode ter contato com essa cultura através de uma autêntica barraca cigana montada no jardim do museu. Construída por um casal de ciganos calón, a barraca tem tudo que uma casa precisa: cama, fogão, televisão e máquina de lavar. Metros de tecido paetê prateado e renda cor-de-rosa decoram a barraca, deixando-a alegre e pouco convencional.

Beatriz Giosa | FalaCultura

Beatriz Giosa | FalaCultura

A maioria de nós, gajões (como os ciganos chamam os não-nômades), tem uma imagem negativa do povo cigano: de trapaceiros, espertos, e pouco confiáveis. Talvez, esse tipo de julgamento venha do fato de serem um povo que não finca raízes e que vive sob as próprias leis, por assim dizer.

Contudo, essa ideia de viver ao sabor do vento por vezes chega a ser mais sedutora do que assustadora, cá entre nós. O cigano carrega suas raízes pela estrada, junto de si: o amor pela família e pela vida andarilha são sua essência. Nos lugares do mundo onde há povos nômades sua cultura é rica e diversificada, composta por uma verdadeira colagem cultural.

Para ler

Há uma literatura considerável a respeito dos povos ciganos ao redor do mundo.

Aqui no Brasil, foi lançado em 2005 o livro Palavra cigana (R$ 25,20, da Cosac & Naify), escrito pela antropóloga Florencia Ferrari e ilustrado pelo artista plástico Stephan Doitschinoff (o C’ALMA).

Florencia selecionou seis contos da tradição cigana que narram histórias inusitadas desse povo, que enganam reis e santos, mas não mexem com os mortos (Em tempo: os textos que ilustram a mostra no MCB também são de autoria da antropóloga).

Para ouvir

Na música, o artista de origem cigana mais conhecido é sem dúvida o guitarrista Django Reinheardt (1910-1953). Django ajudou a difundir o jazz pela Europa, e é considerado (se não um dos criadores) um dos fomentadores do gypsy jazz, estilo que o consagrou mundialmente.

Nascido na Bélgica, Django seguiu com seu povo pela Europa até chegar perto de Paris, onde sua carreira como músico deslanchou. Não sabia ler nem escrever, e não tinha uma educação musical tradicional, porém sua sensibilidade era inquestionável. Uma curiosidade: um incêndio fez com que Django perdesse os movimentos de dois dedos da mão esquerda, o que levou-o a desenvolver uma técnica específica para poder continuar tocando.

A coletânea Djangology (R$ 16,90, na Livraria Cultura), da Sony BMG, traz alguns dos sucessos do artista, que tem seu estilo de tocar copiado até hoje. Minor Swing é uma de suas canções mais conhecidas, e faz parte da trilha sonora do filme Chocolate, estrelado por Juliette Binoche. Johnny Depp, seu par romântico no filme, faz o papel de um cigano sedutor que toca justamente essa música no violão. Mais charmoso e apropriado, impossível.

Atualmente, os sons e as cores característicos dos povos nômades servem de inspiração para as bandas Beirut e Gogol Bordello.

Enquanto os rapazes do Beirut apostam num visual vintage e em melodias mais líricas e dramáticas, os oito integrantes (a maioria do leste europeu) do Gogol Bordello não perdoam no barulho e levam para os palcos uma mistura de punk com música romani, apelidado pelos próprios de gypsy punk.

Instrumentos comuns nas festas ciganas se fazem presentes na formação dessa banda incendiária: acordeon, violino e violão esquentam a mistura, enquanto o líder e vocalista Eugéne Hütz (ucraniano, filho de mãe cigana, da etnia rom) dança e pula freneticamente, numa performance única. Tarefa difícil: tente ficar quieto ao som de Start wearing purple, hit da banda.

 Para assistir

No cinema, os ciganos levam a melhor em Snatch – Porcos e diamantes (2000), do diretor Guy Ritchie, e trazem os ventos da mudança em Chocolate (2000), de Lasse Hallström.

O documentário Latcho Drom (1993), de Tony Gatlif (também cigano, músico e compositor), é uma espécie de musical onde o diretor percorre vários países registrando apresentações de cada etnia cigana. A expressão latcho drom significa jornada tranquila, e durante um ano o diretor percorre um vasto território (Índia, Espanha, Egito, Romênia, Hungria e França), em busca da ligação entre cada comunidade através da música típica dos romani. Segundo o próprio, o filme é um hino à música cigana.

A colcha de retalhos que é a cultura cigana é mantida por artistas, pesquisadores e pela própria comunidade, que reconhece seu valor e sua riqueza no modo de vida, na música e nas cores. Vale a pena conhecer um pouco mais desse alegre e livre povo nômade.

*As três principais etnias ciganas são os calón, os rom e os sinti. Aqui no Brasil, os calón são a maioria, pois são provenientes da Península Ibérica (Espanha e Portugal).

Bateu aquela fominha? Separamos dez exemplos de artistas que se inspiram em comida — ou então usam comida! — para fazer incríveis obras de arte.

Bolachas, pão, chocolate e legumes. Tudo isso pode ser inspiração ou matéria-prima de obras de arte surpreendente. Duvida? Então confira essas fotos, quadros e esculturas de e sobre alimentos. Bon apetit!

As paisagens comestíveis de Carl Warner

Carl Warner

Achou a paisagem acima bonita? Agora, vale a pena reparar que trata-se de um barquinho do vagem que navega sobre um mar de salmão, afastando-se de uma praia com pedras de pão e batatas.

Pois essa é a arte do britânico Carl Warner, um fotógrafo que utiliza comidas para criar belas paisagens e fotografá-las.

Para deixar as imagens mais reais, e possibilitar o “redimensionamento” dos alimentos nas imagens, Warner fotografa em camadas, da parte da imagem mais próxima ao espectador ao fundo. Em entrevista ao The Telegraph, ele explica que o processo de criação de uma imagem pode ser muito demorado, uma vez que tudo deve ser preparado minuciosamente antes da construção final — que deve ser perfeita, já que a comida estraga muito rapidamente sob as luzes fotográficas.

Na imagem abaixo, os balões foram criados com frutas e verduras, enquanto as plantações são feitas de variedades de legumes e vegetais como aspargos, milhos e feijões.

Carl Warner

Carl também toca em assunto espinoso entre os artistas que usam comidas como matéria-prima para suas obras, que é desperdício dos alimentos. “Há um certo desperdício, mas muita da comida que sobra é distribuída entre os membros da [minha] equipe”, explica o fotógrafo. “Ainda assim, muito da comida precisa ser colada ou atada, e não permanece boa para consumo.”

Abaixo, mais algumas das criações divertidas de Warner. Você consegue identificar todos os “ingredientes”?

Carl Warner

Carl Warner

Carl Warner

Carl Warner

Carl Warner

Retratos deliciosos por Jason Mecier

Jason Mecier disse que começou a aprender a usar materiais alternativos em suas obras de arte observando sua avó — ela preferia usar as suas antigas caixas de cigarro para pintar, a ter que comprar papeis ou telas.

Aos poucos, ele desenvolveu a técnica de criar retratos em estilo mosaico de praticamente qualquer material, incluindo balas, doces, bacon, arroz e outros grãos, ou qualquer outro alimento que estivesse a mão. Ele ainda prefere retratar gente famosa; muitos deles gostaram tanto da homenagem que compraram os originais. Esse é o caso da apresentadora Rosie O’Donnell — confira o retrato de guloseimas dela abaixo:

Jason Mecier

Jason Mecier
 

 

Balla Tamás brincando com a comida

 

Com certeza, a mãe do artista húngaro Balla Tamás esqueceu de avisar para ele não brincar com a comida. Ainda bem!

O fotógrafo esculpe frutas e outros alimentos para criar formas expressivas. Depois, bastam alguns cliques para registrar cenas inusitadas.

Jason Mecier

 

Balla Tamás

 

Balla Tamás

 

 

Ilustrações gostosas de Joel Penkman

 

O neo-zelandês Joel Penkman resolveu juntar duas paixões: comida e arte. Assim, passou a retratar delícias em obras com um ar de nostalgia, com traços que misturam realismo e um certo “rabisco” deliberado — referência à infância, cheia de doces?

 

Joel Penkman

 

Joel Penkman

 

Joel Penkman

 

Se você adorou essas obras encantadoras, corre já pro BLCKDMNDS para conferir mais delas!

 

 

A tragédia Édipo Rei, estrelando vegetais

 

Você já viu por aqui a maravilhosa versão em animação de Morte e Vida Severina. Agora, chegou a vez de outro clássico da literatura (e da dramaturgia) ganhar versão animada. Mas uma versão um pouco mais, errr… hmmm… inusitada.

Nesse curta, criado em 2004 por Jason Wishnow, todos os personagens são vividos por vegetais.

A animação, em stop motion, levou 100 voluntários e dois anos para ficar pronta. Mas o resultado foi muito positivo: desde sua criação, o curta foi exibido em mais de 70 festivais de cinema.

 

 

De fato, a cena em que o brócolis batalha com a batata é memorável (apesar de outra, da batata e o tomate sensualizando, ser um tanto quanto dispensável…).

Você ainda pode assistir o vídeo do making of da animação, ou ver os storyboards usados durante sua produção.

 

 

As comidas miniaturas de Shay Aaron

 

O artista israelense Shay Aaron cria gostosuras de encher os olhos — e só isso também, porque elas são tão pequenas que podem ser seguradas com apenas um dedo. Bonitas e bastante realistas, esses pratinhos de comida dão gosto de ver.

 

Shay Aaron

 

Shay Aaron

 

Shay Aaron

 

 

Mary Ellen Johnson e o hiperrealismo de dar água na boca

 

Uma boa sobremesa sem uma caloria sequer? As obras hiperrealistas de Mary Ellen Johnson.

Você está cansado de ver arte hiperrealista — essas pinturas que mais parecem fotografias — por aqui, mas duvidamos que você já tenha visto qualquer uma tão saborosa quanto os sorvetes, waffles e doces de Johnson.

“Meu trabalho estimula impulsos viscerais e psicológicos”, explica a artista. “Evoca a nostalgia, e uma necessidade urgente de gratificação.”

 

Mary Ellen Johnson

Mary Ellen Johnson

 

Mary Ellen Johnson

 

 

As esculturas gigantes da Fête du Citron

 

Se a vida lhe dá limões, você faz uma limonada. Agora, se ela mandar umas laranjas junto, dá para fazer umas esculturas gigantescas e montar um festival.

Pelo menos essa é a filosofia seguida na cidade de Menton, na França. Lá, eles realizam anualmente a chamada Fiete du Citron, em que as frutas cítricas são usadas para construir palácios, dinosauros e outras esculturas bizarras. O festival atrai mais de 200 mil curiosos, todos os anos.

 

Fête du Citron

 

Fête du Citron

 

Fête du Citron

 

Fête du Citron

As esculturas saborosas de Robin Antar

 

As esculturas da artista Robin Antar são tão apetitosas que é difícil acreditar que elas são esculpidas em pedras como mármore e pedra-sabão. Além de serem sempre bastante vinculadas ao american way of life, seus trabalhos são tão meticulosamente executados que também podem ser classificados como hiperrealistas — nas exposições, muitos visitantes são pegos tocando nas obras, para conferir se não são, de fato, alimentos.

 

Robin Antar

 

Robin Antar

 

Robin Antar

 

 

As microesculturas de abrir o apetite de Akiko Ida e Pierre Javelle

 

O casal de artistas Akiko Ida e Pierre Javelle trabalha com figuras mínimas, colocadas minuciosamente em cima de comidas — que acabam parecendo paisagens. O resultado é surpreendente.

 

Akiko Ida e Pierre Javelle

 

Akiko Ida e Pierre Javelle

 

Akiko Ida e Pierre Javelle

 

 

 

A venda de O Grito de Munch por US$ 120 milhões foi recordista, tornando a obra a mais cara já vendida em leilão. Bateu uma curiosidade de saber quais são as outra nove?

No dia 2º de maio de 2012, a obra O Grito (1895) de Edvard Munch foi vendida em um leilão da Sotherby, em Nova York, por nada mais, nada menos que US$ 120 milhões (o que, com a taxa da casa de leilão, dava quase US$ 135 milhões). O precinho salgado da obra botou ela em primeiro lugar na lista de obras vendidas mais caras em leilões.

Na realidade, a obra prima é uma de quatro versões criadas por Munch — e a única que pertence a um colecionador particular.

Em 2010, a obra Nu, folhas verdes e busto (1932) de Pablo Picasso foi vendida por US$ 106 milhões, na Christie’s, em Nova York.

Juliana Piesco | FalaCultura

Também de Picasso, Garoto com um cachimbo (1905) foi vendido por US$ 104 milhões.

Em 2006, Retrato de Adele Bloch Bauer II (1912), de Klimt, foi vendida por US$ 88 milhões, também em Nova York.

Só um pouco atrás ficou o Tríptico (1976) de Francis Bacon, vendido em 2008 por pouco menos de US$ 86 milhões para o oligarca Roman Abramovich.

Um vaso chinês de porcelana, pertencente à dinastia Qianlong (século XVIII) foi vendida em Londres por US$ 85 milhões, em 2010.

Mais um Picasso! Dora Maar au Chat (1941) foi vendido em 2006 por US$ 83, 5 milhões, na cidade de Londres.

Em 1990, o Retrato do Dr. Paul Gachet (1890), de Vincent Van Gogh, arrematou US$ 82 milhões na Christie’s de Nova York.

Le Bassin aux Nymphéas (1919), de Claude Monet, vendeu em 2008 por US$ 66 milhões.

Na Sotherby’s de Londres, L’homme qui marche I (1961), de Alberto Giacometti foi vendida por US$ 65 milhões, também em 2010.